Para comenzar esta clase, Tomás nos propuso dos objetivos y uno que no desveló:
Aprender y cantar una canción completa.
Escribir el ritmo de una canción
La canción que hemos cantado era:
Mira, mira, mírame
Mira, mírame a mí
Mírame a mí
Una vez que nos aprendimos la canción nos pusimos a escribir el ritmo aunque algunos compases nos costaban más que otros. Finalmente el ritmo quedaría de la siguiente manera:
Otro ejemplo de escritura de ritmo lo hemos hecho con el Himno de la Alegría:
Para terminar la clase hemos retomado la canción de Mírame y algunos compañeros han hecho de director de orquesta, dirigiendo la clase y el orden de la canción para cantar en canon.
El tercer objetivo oculto era el repaso de todas las clases anteriores: notas musicales, pulso, ritmo, duración...
Para repasar las figuras musicales con los niños podemos usar los vídeos que adjunté en la segunda entrada de este blog o añadir alguno más:
La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero —generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa (boca)—, y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten las diferentes notas. Su nombre específico es guitarra clásica, guitarra española, guitarra criolla o guitarra acústica.
Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock, metal y flamenco, y bastante frecuente en cantautores. También es utilizada en géneros tales como el tango, rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.
La guitarra ha sufrido variaciones en su forma a lo largo de los siglos. Además del número de cuerdas, las variaciones del instrumento han surgido para adaptarlo a las necesidades del intérprete hasta adoptar la forma actual. Este instrumento está fabricado con madera prácticamente en su totalidad.
Las cuerdas de la guitarra se numeran de abajo hacia arriba ―desde la más aguda hacia la más grave―, con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. De igual manera, la cuerda más gruesa es la sexta y la más fina es la primera. También se las nombra por su nota de afinación, al igual que se hace con el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo:
la cuerda mi (la primera cuerda, afinada en el mi4);
la cuerda si (la segunda cuerda, afinada en el si3);
la cuerda sol (la tercera cuerda, afinada en el sol3);
la cuerda re (la cuarta cuerda, afinada en el re3);
la cuerda la (la quinta cuerda, afinada en el la2);
la cuerda mi (la sexta cuerda, afinada en el mi2).
Podemos encontrar varios DO. Un ejemplo sería: 2ª línea (A-la) 3er traste. Entre el MI y el FA no hay sostenido. Entre el SI y el DO no hay sostenido.
Para tocar la guitarra tenemos varias posiciones, sin embargo, la mano izquierda siempre debe tener su dedo pulgar detrás del mástil y los demás dedos libres. La palma de la mano nunca debe tocar el mástil. Las tres formas más comunes de tocar la guitarra son:
Posición normal: apoya la cintura de la guitarra en tu pierna derecha y coloca tu antebrazo derecho sobre el borde de la caja. El mástil queda cerca del cuerpo y un poco inclinado hacia arriba. No pegues la guitarra a tu estómago. Inclina un poco la parte superior de la guitarra hacia dentro para que no tengas que inclinarte demasiado para ver donde pones los dedos de ambas manos.
Posición clásica: apoya la cintura de la guitarra en la pierna izquierda, con el mástil inclinado hacia arriba, de manera que la mano izquierda llegue con facilidad al diapasón. El antebrazo derecho se apoya en el borde de la caja. En esta posición el peso de la guitarra queda bien equilibrado. El pie izquierdo se apoya en un apoyapies para que la pierna quede un poco levantada.
Posición de pie: cualquier guitarra se puede tocar de pie colgándola con una correa. Es importante que el instrumento cuelgue con el peso hacia el cuerpo y con un buen centro de gravedad, para que las manos y los brazos puedan moverse con libertad. Muchos guitarristas modernos tienden a colgarse la guitarra muy baja por motivos estéticos, pero así resulta más difícil tocar y no es recomendable para principiantes. Para una mayor soltura de la mano izquierda, el mástil debe de quedar inclinado hacia arriba.
Para mostrarles este instrumento a los niños podemos utilizar este vídeo educativo:
El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay). Nacido a fines del siglo XIX de la fusión cultural de las comunidades afrorrioplatenses, con la cultura gauchesca, indígena, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran ola inmigratoria llegada principalmente de Europa, se convirtió en un género de naturaleza global a partir de la segunda década del siglo XX. Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros musicales internacionales más potentes del mundo.
El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí.
Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar central.
Los pasos básicos del tango se describen de la siguiente forma desde los distintos focos:
Para bailar con los niños podemos usar canciones que a ellos les resultan conocidas:
La danza o el baile es un arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. Es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad. En este sentido, la danza también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos. Se realiza mayormente con música, ya sea una canción, pieza musical o sonidos.
La posición inicial de los pies es de la siguiente forma:
Con un punto en medio quiere decir que los pies están juntos. No siempre la posición inicial son los pies juntos. Por ejemplo en las sevillanas, la colocación de los pies es:
SALSA
La salsa es una unión de estilos de baile afrocaribeños y europeos.
En muchas figuras, la pareja se para enfrente en una postura de baile similar a la de los bailes de salón, en la que la mujer pone su mano izquierda sobre el hombro del hombre, el hombre pone su mano derecha en la cadera de ella y las manos libres se encuentran en el aire.
El paso básico de la salsa se escribiría de la siguiente forma:
VALS
En su origen tenía un movimiento lento aunque, ahora se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo
El paso básico del vals se escribiría así. El paso que das hacia delante lo realizas de puntillas. Es por esto que sale dibujada solo la punta del pie y no el talón.
SWING
Se denomina swing al estilo de baile con el que se acompaña a la música swing. Los bailes de swing tienen origen en el sur de Estados Unidos durante las primeras dos décadas del siglo XX, cuando los bailarines improvisaban pasos sobre los acordes del piano de los estilos musicales ragtime, jazz y dixieland.
El paso básico del swing se escribiría así. El último pie de cada compás tiene el valor de una figura blanca.
DANZA BARROCA
Danza barroca es el arte coreográfico cultivado durante el periodo histórico conocido como Barroco, aproximadamente entre 1600 y 1750. Estrechamente ligada a la música barroca tanto por cronología como por estilo, la danza barroca evolucionó en el marco del ballet cortesano, la tragedia musical o la ópera-ballet. Llamada en su época la belle danse, se ciñó al gusto de los investigadores y los historiadores de la danza que rehabilitaron un arte y un estilo de danza que el ballet clásico y el romántico habían simplificado y uniformado.
Aquí vemos un ejemplo que podemos trabajar en el aula:
Esta danza está compuesta en módulos de ocho más codas de cuatro tiempos. La repetición es lo que nos indica la forma. Todo lo que hagamos en el aula debe ser en módulo de ocho y cosas de cuatro. Podemos hacer un recorrido o una coreografía:
Paso-paso
Paso-pies juntos-paso
Dos filas que se junten: salen juntos, levantan los brazos y el resto pasa por debajo.
Se unen por parejas y se saludan girando
Reverencia de una fila y luego de la otra
Se unen todos con la mano derecha en el centro y giran hacia la derecha
Etcétera
Para los niños, los bailes deben ser sencillos y repetitivos como por ejemplo:
La primera actividad que hicimos durante la clase fue la de traducción simultánea. En ella, lo único que debíamos hacer era repetir lo que estábamos escuchando. Se comenzaron a crear ritmos que cada vez eran más complicados de seguir no solo para 'los traductores' sino también para la persona que hacía de 'intérprete'.
Lo segundo que hicimos fue experimentar con nuestro propio cuerpo: hicimos ritmos con palmadas en el pecho, rodillas, culo, pies... A cada número se le asignó una acción:
1: palmada
3: palmada y pecho
5: palmada, pecho y rodillas
7: palmada, pecho, rodillas, culo
9: palmada, pecho, rodillas, culo y pies
Así creamos una coreografía de ritmos: 335715 RAQUEL. El nombre lo debíamos decir rápidamente. Tras realizar el ejercicio anterior grupalmente, el profesor fue sacando a pequeños grupos.
Aquí vemos algunos ejemplos:
El precursor fue Doug Goodkin. Es un educador de la música y defensor del Método Orff. Se formó su visión de una educación que cumpla la promesa imaginativo, espiritual y humanitario de cada niño durante tres décadas de enseñanza de la música.
Para estos juegos hay que tener en cuenta la lateralidad de los niños, puesto que si lo queremos complicar lo podemos hacer con el lado contrario al predominante. Basta cambiar de mano para que el ejercicio sea complicado. Este tipo de juegos sirve para detectar la lateralidad.
Es mejor sentir la música que pensarla porque no se disfruta si estás pensando mecánicamente en lo que tienes que hacer a continuación. Es importante llevar el pulso internamente y sentirlo como grupo. Evitará la desincronización. Un juego que podemos usar para favorecer la sincronización es el que hemos realizado en clase de las palmas y los pies. Desconozco como se llama aunque el juego ya lo conocía de haberlo trabajado en campamentos.
Consiste en dar una palmada (único sentido) y se va pasando al siguiente dando esa palmada. Si la siguiente persona da dos palmadas se cambia el sentido. Para aumentar la dificultad del juego se utilizan también los pies de la misma manera que las manos. Para incorporar los silencios nos podíamos agachar.
Con este ejercicio se desarrolla la atención periférica.
Además, durante la clase hicimos un experimento. Se dividió la clase en dos grupos: el primero recibiría explicación de las normas del juego y el segundo mientras tanto miraría. Al salir el segundo grupo, se demostró que lo hicimos mejor porque habíamos contado con el apoyo visual del anterior grupo.
El último juego que hicimos consistía en repetir lo que decía el profesor: hacer ecos.
A continuación dejo un vídeo de niños haciendo sonar un ritmo más rápido o lento:
La clase de hoy nos ha servido como repaso del piano y discriminación de sonidos.
Lo primero que hemos hecho ha sido colocar en el pentagrama tres notas que nos dijo el profesor. En mi caso fueron MI#, SOL Y SI♭.
Una vez que ya las habíamos colocado, salíamos de uno en uno y las tocábamos en el piano.
La segunda actividad consistía en discriminar los sonidos del piano. El profesor ha tocado las notas: DO, RE, DO, RE, MI, DO, SOL, DO, RE, DO.
Tras ello hemos cantando una canción con el acompañamiento del piano. La canción decía "yada yaaaada yada; yin yin yin". El profesor ha intentado que cantásemos de uno en uno pasándonos una pelota pero no ha funcionado.
Debemos conocer los instrumentos musicales visual, auditiva y posicionalmente. Los instrumentos se clasifican en:
¿Qué suena? Por ejemplo, cuerda. El qué es aquello que si se lo quitas, no suena.
¿Cómo suena? Por ejemplo, frotada
Los instrumentos de cuerda se llaman cordófonos y se dividen en: cuerda frotada, percutida o pulsada.
Los instrumentos de viento se llaman aerófonos y se dividen en viento madera y metal. Hay un grupo que se considera híbrido como puede ser el saxofón. La flauta de metal se considera de viento madera. Los órganos y el acordeón son de viento metal. La armónica es de viento.
Los instrumentos de percusión se llaman idiófonos y los hay afinados, no afinados y de pequeña percusión. Las campanas son percusión.
Hay otro gran grupo que se ha dado en el siglo XX que son los que se necesitan enchufar, los instrumentos eléctricos o electrófonos.
La sordina es el nombre que reciben los diversos mecanismos de reducción del volumen o modificación de las cualidades tímbricas del sonido, que puede adoptar diferentes nombres y formas y puede hacerse de diferentes materiales, dependiendo del instrumento. Para los niños podemos usar estos vídeos y muchos más que encontramos en youtube:
En cuanto a la disposición de los instrumentos en una orquesta, podemos ver varios ejemplos:
En el caso de haber coro, se colocaría en el fondo detrás de la percusión con la siguiente disposición:
En la orquesta,como vemos en el dibujo, los instrumentos más agudos que son los más pequeños se sitúan en el lado derecho. Mientras que los instrumentos más graves que son los más grandes se sitúan a la izquierda de la orquesta.
Los instrumentos de viento y cuerda se sitúan de izquierda a derecha del más pequeño al más mayor. La percusión se sitúa al final de la orquesta y sin ordenación.
El oboe es el instrumento que da la nota para que la orquesta afine.
Además de los instrumentos, dentro de una orquesta encontramos al director (dirigir a instrumentistas y cantantes en la interpretación de una obra musical) y el concertino (el primer Violín-Concertino como ayudante del Director es su más directo colaborador, situado a su derecha, representante de la orquesta).
En el caso de que hubiera solista, se colocaría frente al director.
Cabe destacar también que por cada atril hay dos músicos y es el que está más alejado del público (el de dentro) el que pasa la hoja.
Los pasos que se siguen en una orquesta son:
Sale la orquesta
Afinan
El director saluda al concertino
Tocan
Termina y aplaude
El director vuelve a saludar al concertino.
Para terminar la clase, hemos escuchado a una orquesta tocando bandas sonoras conocidas cambiando así el concepto que teníamos de este tipo de música.
